Recepción Inaugural: Sábado, 14 de mayo, 5-7 pm
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Blum & Poe se complace en anunciar la representación de Lauren Quin, artista con sede en Los Angeles, con ocasión de su primera exposición individual en la galería, Pulse Train Howl. Esta muestra precede a su primera exposición individual en un museo, que se inaugurará más tarde en este año en el Museo Nerman de Arte Contemporáneo (NMOCA), en Overland Park, KS, junto con una presentación en la Pond Society de Shanghái, China. Publicado conjuntamente, NMOCA producirá además la primera monografía sobre la práctica de Quin, que abarca varios corpus de obra hasta hoy. Además, Quin está representada por la galería Friends Indeed Gallery, de San Francisco, CA.
Las palpitantes reverberaciones de símbolos de Lauren Quin, representadas con diversas técnicas, avanzan a gran velocidad y alcanzan un estado febril donde la intensidad visual tiene correlación con lamentos guturales. Sugiriendo una sinestesia entre vista y sonido, los escalofríos oculares que aparecen en las vibrantes capas recuerdan vibraciones sónicas. Los caminos se multiplican y aceleran para culminar en un caleidoscópico aullido óptico. Tensas, ruidosas y eléctricas, las formaciones de segmentos parciales actúan como broches de comunicación congelados en el proceso de forjar un todo coherente. Como reflejo de los lienzos minuciosamente estratificados de Quin, el título de la exposición se inspira en el patrón de los picos eléctricos del sistema nervioso, así como en la comunicación de largo alcance de una manada de lobos, evocando los símbolos rítmicos -casi sónicos- sincronizados y las combinaciones de creación de marcas de la artista.
Imágenes iniciales distintas pero relacionadas, tomadas tanto de la vida cotidiana como de la historia del arte, se adoptan y repiten en las capas, respondiendo de manera diferente con cada iteración. Como apunta Quin, estas formas "no están hechas siguiendo un plan, sino más bien con un radio de símbolos que colecciono y a los que vuelvo a lo largo de los años". Estos símbolos incluyen alas de murciélago, estructuras óseas, patas de araña, dedos, la boca de la momia, un dibujo de Lee Lozano de una lata de aceite, un cuadro de una corona con patina de Oskar Schlemmer y una escultura antigua de un bote de remos. Las formas originarias están relacionadas por la repetición estructural que comparten, ofreciendo anillos o apéndices que se enrollan en espiral y se enroscan hacia adentro como pezuñas destrozadas. Repetidas en actos de autorreferencia, las formas se funden en tentáculos, tubos y túneles mientras se mueven hacia afuera en ondulantes patrones de muaré.
Un patrón de escamas iridiscentes sirve como capa de base o pintura de fondo. Revelados más adelante mediante un proceso de eliminación, los tubos parciales de color también se repiten más cerca de la superficie de los cuadros. Estas briosas escamas prismáticas se enroscan como cintas fracturadas mientras parpadean con luminosidad reflectante. De cerca, las curvas picadas flotan como suaves chasquidos. Desde más lejos, se cristalizan en una oleada de energía tumultuosa. Momentos de entropía borrosa y giratoria guían el impulso de las marcas como el vórtice de un desagüe. Por encima y dentro de las capas de patrones, flotan masas biomórficas de colores vivos y carnosos. Bailando en los umbrales del espacio liminal y deformando la percepción de la profundidad mediante la variación de la escala, los tubos y túneles serpenteantes no ofrecen una delimitación clara entre exterior e interior.
Una vez establecida la composición y cuando las capas llenan todo el espacio negativo posible, Quin comienza un proceso susceptible al tiempo: el limpiado, tallado y grabado de imágenes en la superficie que revelan los contrastes de colores que hay debajo, repitiendo las imágenes con un efecto ondulante. Los trazos en la pintura húmeda van desde el grosor de un dedo hasta la finura de un trazo ágil de grabado, lo que resulta en ondas radiantes que empiezan en un temblor y llegan al clímax con un latido. El último elemento del alfabeto ocular de Quin se introduce en líneas luminosas dispersas de diversos pesos que repiten los símbolos mencionados. A través de un proceso de monografía, las imágenes originarias se regeneran en destellos de luz crepitantes. Mientras que los motes de tinta actúan como luz que rebota en los tubos volumétricos, el rayado cruzado, delicado y chispeante, ofrece otra vía para crear profundidad.
Dado que algunas capas sólo pueden ejecutarse dentro del margen de tiempo de secado, los cuadros heredan una fisicidad inmediata y urgente. Después de establecer los cimientos de un cuadro en este proceso de tiempo limitado de creación de marcas acumulativas y retráctiles, Quin desarrolla la sensibilidad individual de cada cuadro según los términos de éste. Dialogando en las capas de patrones escalonados, formas de extremidades que se transforman, dibujos tallados y líneas chisporroteantes, las técnicas se repiten, se templan y se estiran hacia adelante, siguiendo cada ritmo único hasta su finalización. Las formas pasan a un primer plano a través de la regulación de las capas al ritmo de cada obra, extrayendo una profundidad cada vez mayor y convirtiendo el patrón en una forma estable y un vacío tenue.
El cuadro a gran escala de Quin en la galería del jardín se presenta en homenaje a la exposición vecina de Lynda Benglis, Excavation (Excavación). La presentación reconoce una sensibilidad compartida de formas en bucle, nudosas, reflexivas y texturizadas que hablan directamente al cuerpo visceral. La fuerza turbulenta en que resultan los patrones, los miembros y los colores de Quin consume el campo de visión, invitando al espectador a encarnar la retroalimentación somática de la obra.
—Marie Heilich
Lauren Quin reside y trabaja en Los Angeles, CA. Recibió una Maestría en Bellas Artes de la Escuela de Arte de Yale, New Haven, CT, y una Licenciatura en Bellas Artes de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago, Chicago, IL. Su obra se ha presentado en numerosas exposiciones individuales, incluido Pulse Train Howl (2022), Blum & Poe, Los Angeles, CA, y exposiciones colectivas como Fire Figure Fantasy: Selections from ICA Miami’s Collection (a inaugurar en el verano de 2022), Instituto de Arte Contemporáneo, Miami, FL; y On Boxing (2021), Blum & Poe, Los Angeles. Su obra se encuentra en numerosas colecciones públicas incluyendo la del Museo de Bellas Artes de San Francisco, San Francisco, CA, el Museo de Arte High, Atlanta, GA, ICA Miami, Miami, FL, el Museo de Arte Pérez, Miami, FL, el Museo de Arte de Phoenix, Fénix, AZ, y el Centro de Arte Walker, Minneapolis, MN.