Lonnie Holley en conversación con Jane Fonda
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Blum & Poe se complace en presentar la primera exposición individual de Lonnie Holley con la galería. Es también la primera exposición en Los Angeles del artista, que reside en Atlanta.
La vida y la obra de Holley se leen como una reconsideración narrativa de la historia de los Negros estadounidenses: los efectos residuales de la era de Jim Crow, los triunfos del movimiento por los derechos civiles y las luchas contra las falsas narrativas en torno a la raza y movilidad de clase. La práctica multidisciplinar de Holley pretende educar a los espectadores para remediar la amnesia histórica que rodea estos temas. Basándose en acontecimientos pasados, el artista se adentra en el futuro presentando una obra sinestésica multimedia que involucra visualmente a los espectadores a través de objetos encontrados únicos e intrincados motivos para informar posteriormente sobre temas como la desigualdad y la historia como memoria.
Holley, que hoy es una figura clave del movimiento artístico afroatlántico, realiza esculturas desde 1979. Su incursión inicial en esta práctica fue motivada por su deseo de conmemorar a seres queridos fallecidos; como su familia no podía permitirse tumbas grabadas comercialmente, Holley creó lápidas de arena industrial desechada para dos de los hijos de su hermana. Las esculturas presentadas aquí surgen de este interés por la conmemoración; Holley identifica y utiliza historias de su propia vida, de la vida de sus antepasados y del movimiento por los derechos civiles. Continuando con su característico uso de materiales encontrados -una práctica que el artista considera da valor a lo desechado, como sucedía a los Negros estadounidenses en la era de Jim Crow- Holley construye sus esculturas recientes a partir de objetos desechados como alambre, cables eléctricos, cuentas, tela vaquera, decoraciones navideñas y una bandera de Estados Unidos.
Un motivo clave en la obra de Holley es el perfil: ha sido parte de sus esculturas durante unas cuatro décadas y está presente en las pinturas presentadas aquí. Aunque estas configuraciones representan claramente una forma humana, las figuras no llegan a solidificarse completamente. En el caso de las esculturas, estos rostros están hechos de alambres y están huecos; en las pinturas, son parcialmente translúcidos, creados con capas finas de pintura en aerosol. Esta condición inacabada alude a temas de borrado y autoafirmación que Holley ha enfrentado en su vida: la lucha por encontrar un lugar en su propia familia después de una infancia difícil donde vivió en hogares de acogida y enfrentó trabajos forzados, la búsqueda de una vocación después de trabajar en diferentes empleos para llegar a fin de mes y, por último, la búsqueda de un lugar para sí mismo en el canon tradicionalmente exclusivo y eurocéntrico de la historia del arte.
Estos cuadros de Holley no son meramente figurativos, sino que superponen el motivo del perfil facial para crear una serie de pinturas que son a un tiempo atmosféricas y narrativas, figurativas y abstractas. Si seguimos las curvas de los patrones de Holley, nuestro ojo se ve atraído por el espacio negativo entre las formas. A veces ejecutadas sobre lienzo y otras sobre colchas, estas múltiples caras se convierten rápidamente en marcas disociadas que, al unísono, crean una cuadrícula arremolinada y no lineal, sin la rigidez de las cuadrículas de los pintores del Renacimiento para engañar al ojo y crear profundidad. Las abstracciones figurativas de Holley fluyen en masa y se entrelazan para transmitir su mensaje a través de las multitudes: las capas de pintura en aerosol crean composiciones que compiten por la atención del espectador, mientras que conservan triunfalmente su planitud para atraer la mirada hacia cada parte del cuadro al mismo tiempo. Holley usa la colcha como plano pictórico en homenaje al trabajo de las mujeres y para aprovechar el aura cargada de historia y cultura ancestrales de los Negros estadounidenses. Las colchas, a menudo desechadas o desestimadas como artesanía, se convierten aquí en terrenos sagrados en los que el artista explora algunos de los tropos de su lenguaje visual característico. Estas obras son metáforas de las multitudinarias narraciones de la historia: cada nueva capa se construye sobre la anterior, o la matiza, para crear el producto final.
Holley usa su plataforma para crear objetos visualmente impresionantes que educan compasivamente a su público sobre la lucha por la igualdad de los Negros en Estados Unidos y sus diversos matices. Formalmente, la obra del artista ha adquirido una aguda densidad a lo largo de su dilatada carrera. A medida que el artista adquiere experiencia sus composiciones están cada vez más cargadas de valor histórico y narrativo. Como describió Holley en una ocasión, "Esto es memoria. Todo es memoria. Cada rostro de estos cuadros."
Lonnie Holley (Birmingham, AL, 1950) vive y trabaja en Atlanta, Georgia. Su obra está representada en las colecciones permanentes del Museo de Arte del Condado de Los Angeles, Los Angeles, CA; el Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, NY; la Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.; el Museo Smithsoniano de Arte Americano, Washington, D.C.; el Whitney Museum of American Art, Nueva York, NY; entre muchos otros. La obra de Holley se ha presentado en numerosas exposiciones individuales, como en Dallas Contemporary, Dallas, TX (2022), el Parrish Art Museum, Water Mill, NY (2021); el Centro de Arte Contemporáneo de Atlanta, Atlanta, GA (2017), el Halsey Institute of Contemporary Art, Charleston, SC (2015), el Museo de Arte de Birmingham, Birmingham, AL (2004), entre otras. Holley ha sido objeto de varios documentales, y su propio cortometraje I Snuck off the Slave Ship se estrenó en el Festival de Sundance en 2018.