Blum & Poe, en colaboración con el patrimonio de Thornton Dial, se complace en presentar la primera exposición individual en la galería que destaca la obra del fallecido artista Thornton Dial, su primera gran presentación en Los Angeles. 

Conocido por sus innovaciones, Dial desarrolló un estilo sin precedentes al fundir la virtuosidad gestual con un compromiso espiritual hacia los materiales encontrados, una panoplia de objetos descartados y otros considerados rotos o sin valor. Nutriéndose de tradiciones que no se enseñan en instituciones formales, como las ferias de jardín del sur de los Estados Unidos, el bordado de colchas de retazos y la iglesia de música espiritual, creó un lenguaje narrativo y visual que replantea momentos importantes de la historia global y resume la experiencia Negra en el sur de Estados Unidos durante la vida del artista. Las obras resultantes sopesan significados personales, culturales y universales para dar voz e imágenes a desigualdades sistémicas tanto pasadas como actuales. Esta exhibición retrospectiva permite al espectador viajar en el tiempo a través de veintiocho años de carrera de Dial, quien pintó nuevas versiones de venerados relatos de la historia Negra estadounidense, desde la esclavitud a Jim Crow y hasta la elección del primer presidente Negro. 

Como muchas obras presentadas en la galería inicial, Garden of Eden (Jardín del Edén, 2015) hace su primera aparición pública. Pintada en el último año de vida del artista, esta obra ofrece valiosos atisbos a las reflexiones de Dial sobre su propia mortalidad. Como indica el título, Garden of Eden es una meditación sobre la muerta --la biblia judeocristiana cuenta la historia de Adán y Eva, los primeros humanos, que se hicieron mortales sólo tras su expulsión del jardín. Pintada con una paleta contrastate de lila, amarillo y gris, la impermanencia de la vida no se presenta aquí como algo bueno o malo, sino como un remolino de ambas. Colocando una pieza de tela sobre el esmalte en aerosol sobre un lienzo sobre madera, un ejercicio de concisión comparado con los ensamblajes de objetos encontrados de la carrera más temprana de Dial, la construcción de Garden of Eden también indica la percepción del artista de la movilidad de su cuerpo. Símbolos clave de la historia bíblica incluyen el árbol de la vida, que daba a Adán y Eva vida eterna, y el árbol del conocimiento del bien y el mal, que producía frutas cuyo consumo resultó en que Adán y Eva fueran expulsados del paraíso divino. La composición de Garden of Eden es principalmente abstracta, excepto por una única, casi indiscernible planta doméstica. En la obra del artista es corriente ver objetos aparentemente mundanos imbuidos de enorme significado, como sucede con esta planta de origen humilde que, aquí, representa tanto la vida eterna como el camino hacia la muerte. Siempre optimista, incluso al considerar su inminente fallecimiento, Dial crea con este cuadro una nueva alegoría. Alude a su propio origen (nacido en un maizal, de madre soltera adolescente, trabajó en la construcción de autopistas, casas y vagones durante medio siglo) para comunicar la enorme contribución de voces Negras, incluida la suya, en el ámbito de la defensa racial y la cultura a pesar de haber enfrentado innumerables desafíos en el proceso. 

En una sala adyacente, una obra de la mitad de su carrera titulada Hot and Cold (Life in the Rolling Mill) (Caliente y frío: La vida en el laminador, 1995-96) ejemplifica una línea transversal que va de Garden of Eden hacia el interés que el artista tuvo más temprano en la ternura y la humanidad que se encuentran en lugares improbables. Hot and Cold (Life in the Rolling Mill), que es representativa de los ensamblajes característicos del artista, es una impresionante sinfonía de chatarra, malla de alambre, tela, ropa, moqueta, un matamoscas, un tractor de juguete, hilo, cabello artificial, compuesto Splash Zone, pintura de aerosol y esmalte sobre tela sobre madera. En este caso, una acerera funciona como un lente a través del cual examinar relaciones románticas. Antes de hacerse artista a tiempo completo, Dial tuvo una serie de trabajos en el mundo industrial, especialmente en la planta Pullman-Standard de Bessemer, Alabama, fabricando vagones durante treinta años. Hot and Cold (Life in the Rolling Mill) utiliza el proceso de la forja del acero, donde el metal se calienta a muy altas temperaturas para hacerlo maleable antes de echarlo en agua para enfriarlo rápidamente y que conserve su forma, como metáfora de la naturaleza impredecible del amor. Un hombre, construido con chatarra y con un bigote que recuerda el vello facial que Dial ostentó durante gran parte de su vida, se acerca a una mujer de constitución material similar que lleva un pintalabios y un vestido. Congelados en su movimiento hacia el otro, no llegan a tocarse totalmente, una pose que recuerda a la Creación de Adán de Miguel Ángel y provoca una reconsideración de la naturaleza de las relaciones. 

Las relaciones (entre individuos, clases económicas, géneros y razas) siempre han sido un tema clave en la obra de Dial. En un óleo sobre tela titulado Running with the Mule, Running for Freedom (Corriendo con la mula, corriendo por la libertad, 1990), que aquí se presenta junto a otras de sus obras más tempranas, el artista pinta a un hombre Negro montado sobre una mula y flanqueado por espectadores. En su obra temprana, Dial usaba a menudo animales para encarnar la otredad y los desafíos cotidianos de los estadounidenses Negros. Para un obrero de fábrica Negro que trabajaba en Bessemer en la época de la segunda marcha sobre Selma, el expresar opiniones sobre la desigualdad racial podía haber resultado en la pérdida de sus medios de subsistencia, o incluso su vida. En Running with the Mule, Running for Freedom, la mula es símbolo de la relación que históricamente se ha hecho entre hombres Negros y animales de carga, mercancía y mano de obra desechable.  Además, la mula es una referencia a los antepasados de Dial, quienes durante generaciones fueron aparceros en la plantación donde nación el artista. Las figuras blancas de esta obra, no sujetas a las asociaciones con la mula, miran con expresión conmocionada y triste, indicando que Dial tenía esperanza en la colaboración interracial para superar la opresión de los Negros. 

Dial fue documentarista y narrador de su propia experiencia de vida en un momento tumultuoso y de grandes cambios en su comunidad. Más allá de sus importantes visiones de la vida y cultura Negra de los Estados Unidos en el siglo XX, la obra de Dial, desde el inicio de su carrera artística hasta el fin de su vida, ofrece una meditación astuta y conmovedora sobre el amor, la muerte y el deseo por algo más que lo que se nos ha asignado. Reflexionando sobre su contribución al arte y la cultura, Dial dijo: "Desde que hago arte me llegan más cosas a la cabeza. Cuanto más haces, más ves qué hay que hacer… Creo que he probado que mi arte es sobre ideas y sobre la vida y la experiencia del mundo". 

La obra de Thornton Dial (n. 1928, Emelle, AL; f. 2016, McCalla, AL) ha sido tema de numerosas exposiciones individuales en instituciones de todo el país, incluyendo el Instituto Abroms-Engel para las Artes Visuales, Universidad de Alabama, Birmingham, AL; viajó a la Galería de Arte de la Universidad de Samford, Birmingham, AL y el Museo de Arte Wiregrass, Dothan, AL (2022–23); El Museo de Arte de Toledo, Toledo, OH (2020); Museo de Arte High, Atlanta, GA (2016); el Museo de Arte de Indianápolis, Indianápolis, IN (2011); El Museo de Arte de New Orleans, Nueva Orleans, LA (2011); Museo de Bellas Artes, Houston, TX (2005); el New Museum of Contemporary Art, Nueva York, NY (1993); el Museo de Arte Popular Estadounidense, Nueva York, NY (1993); y fue incluida en la Bienal Whitney, Museo Whitney, Nueva York, NY (2000). La obra de Dial está representada en la colección permanente de Museo de Arte Popular Estadounidense, Nueva York, NY, el Museo de Brooklyn, Brooklyn, NY; el Museo de Arte de Dallas, Dallas, TX; el Museo de Young, San Francisco, CA; el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn, Washington, D.C.; el Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, NY; el Museo de Arte Contemporáneo, Los Angeles, CA; el Museo de Bellas Artes, Boston, MA; el Museo de Arte Moderno, Nueva York, NY; la Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.; el Museo de Arte Pérez, Miami, FL; el Museo Nacional Smithsoniano de Arte, Historia y Cultura Afroestadounidense, Washington D.C.; el Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York, NY, entre muchos otros. 

Selected Works

News

Related Publications